键盘乐器演奏的基本原则（1）：六大原则简介

前言

键盘乐器是一个庞大的家族。在中国，最为人所熟知的键盘乐器是钢琴，其次是手风琴和电子琴。不那么被中国人所熟悉，但是在西方音乐中具有重要作用的键盘乐器还有管风琴、羽管键琴、簧风琴、击弦古钢琴等。近年来很流行的双排键电子琴是键盘乐器家族的新秀。其他的键盘乐器还包括口风琴和钢片琴等。如果不拘泥于“用手指演奏”，广义键盘乐器还可以包括钟琴（Carillon）、钟琴（Glockenspiel）、马林巴琴、木琴等。本系列文章所论及的键盘乐器指狭义的键盘乐器，也就是用手指演奏的键盘乐器（也包括还需要用脚演奏的管风琴），主要针对钢琴、羽管键琴和管风琴。

虽然在当代中国，键盘乐器很流行，有大量学习键盘乐器的少年儿童、成人甚至老年人，但从总体上来看，人们对键盘乐器的演奏方法缺乏在原理层面的认识。抛却一些根本不讲究技术的培训机构，比较正规和专业的键盘音乐教育也存在机械死板、知其然不知其所以然、甚至片面强调一种技术和练习方法进而导致的技术滥用和误用等问题。很多人找到了一种自己觉得好用的方法就不再对技术本身进行思考和改进，以致于限制了自己在音乐上的进步。

本文对键盘乐器的演奏技术在总体上做一个考察和分析。在这个考察中，虽然我们会用一些乐器上的一些具体演奏方法为例来说明这些技术原则，但我们旨在研究键盘乐器演奏技术的基本原则：既不受限于某个时期也不受限于某个具体乐器。这些演奏技术的基本原则事实上就像几何学中的公理一样重要，而那些具体的演奏方法只是这些基本原则的推论。

我希望大家通过对这些基本原则的认识，能够突破技术上的瓶颈和壁垒，最终不仅能在演奏技术上有所提升，也能让音乐表达更上一层楼。

在这篇简介中，我们以手键盘技术来进行说明。管风琴的脚键盘技术会在后续章节依照这些原则进行具体讨论。

原则 1：舒适原则

为了达到演奏效果，我们要使用最让我们感到舒适的方式。要注意，放松不等于懈怠。作个比喻：一个人在弹琴时绝不应该像一只中午在晒太阳的懒洋洋的猫，而应该像一只步履轻盈，身上所有肌肉放松而又随时待命的警醒的猫（至于弹出来的声音可能需要慵懒的效果，那是一个不同的问题）。

这是一个至关重要的原则。任何一个合格的钢琴入门老师一定会强调放松放松再放松：从肩关节、肘关节一直到手腕都必须充分放松。这时一定有一些学生会说：我不放松也可以弹出来差不多的效果，干嘛非按照你那一套方法弹呢？再说我看钢琴家演奏时也经常是很用力的啊？对这些疑问，很多钢琴老师的答复就是，现在你必须这样弹，至于钢琴家为什么那么弹，你以后就明白了。但一个有独立思考精神的学生显然不会对这样一个答案感到满意。事实上，这个问题不难解答：学生初学钢琴就像小孩初学走路一样。我们学习走路就需要找一种最节省能量、走起来最舒适的姿势，这样我们以后才能走得很远也不觉得累。如果你非要说，我就用僵尸步走，你看是不是也走得不错？但你用僵尸步能走多远，能连续走多长时间呢？况且，走路只是最最基本的能力：在学会走路之后，我们还要学习跑步、跳高甚至舞蹈和体操那些复杂的运动。你要是觉得僵尸步好就一直按僵尸步走，养成了走路时浑身紧张的习惯，那接着学跑会怎样呢？别人跑得又轻又快，你跑得又重又慢。这时，你可能又会想：我的天赋不行，可能就只能这样了。事实上却是，一开始你就使用了错误的方法，那方法在短期看起来好像还不错，但是对长期发展的危害是巨大的。至于钢琴家的一些演奏方法，那不是普通的走路了，而且类似于跨个栏、跳个马之类的动作：他们必然要发力。为了达到那些效果，钢琴家可能用手腕上的力、肘关节上的力，肩关节上的力，甚至腰上的力。但如果让他们不加任何特殊效果，他们仍然会使用最舒服、最放松的方法。所以，我们学键盘乐器，首先要学会的是最常用的、不带任何特殊效果的、像走路一样既平常又基本的演奏方法。当我们学会了这种演奏方法之后，我们当然可以以这个为基础，在上面加上各种效果。

舒适原则可以运用到演奏中的各个细节中去。比如在设计指法时，4 个音一组的轮指就应该使用 4-3-2-1 的指法，而 3 个音一组的轮指就应该使用 3-2-1 的指法。当然，纯粹从技术的角度来说，用 3-2-1 的指法也不是表达不出来四个一组的重音，但那非常反直觉，给演奏者带来了额外的负担。更好的方法是使用最方便有效的方法，把大脑更多的精力分配给更高层次的活动，比如设计演奏层次，从更宏观的角度去设计动机之间、乐句之间、乐段之间的关系，等等。在音乐的表现上，永远有更高的层次在等着你，因此不要把精力浪费在用一个更难的指法去实现一个相同的效果的无聊问题上。

原则 2：经济原则

经济原则的具体意思是：用最少的能量、最小的运动来达到需要的效果。经济原则需要和舒适原则配合使用：比如我们不能为了节省一点点移动距离去给手选择一个很不舒服的移动路线，比如用贴键的方法进行大跳。

使用最小的能量意味着不该发力的地方坚决不发力，不该使用的能量坚决不使用。我们尤其要注意去化解到手上的内部应力，或者说是在没有演奏任何音符时肌肉之间就存在的互相较劲的力：这些力对演奏没有任何帮助（对外根本不做功），反而会让手僵硬死板甚至颤抖，极大地影响演奏质量和手的耐力（长时间跑动的能力）。因此，在练习一个很难的地方之前，不妨先把手型摆好，然后去尝试去化解掉所有不需要的内应力并做到充分放松，然后开始体会如何能在弹下音之后仍然保持这种放松的状态。找到这种状态之后，我们就可以进一步的去加上一些演奏效果：这时所有的力、所有的能量都有着它们的效用。

初学者经常犯的一个错误就是给手指的运动有意识或无意识地加上很多多余动作，比如不弹琴的手指乱动，手指随意前后左右运动，手腕经常进行前后运动和上下运动，在触键前和触键后加上一些多余动作：这些动作对演奏本身没有任何用处，只会徒增手的负担和思维的负担。

经济原则还有非常多的应用，比如手做什么样的整体移动最经济，设计什么样的指法最经济，发力点如何选择最经济，等等。对此，我们将在后续文章中详述。

原则 3：弹性原则

手和其他身体有关部位必须时时刻刻保持弹性。比如手掌要保持穹形，或者说是保持手的“凸性”，而任何一个关节的塌陷都会破坏手的弹性。要给手搭建一个具有弹性的架子，我们需要：1）用手掌和手指上的骨骼和关节所搭建一个穹形结构：这就像是建筑中稳定的、不易塌陷的拱券结构；2）手上必须要有结实有力而富有弹性的肌肉群。作个比喻：手上骨骼、关节和肌肉所共同组成的结构，很类似于雨伞上的伞骨、铰接座和伞布的关系。没有富有张力的伞布，雨伞就撑不起来；伞骨如果凹陷，雨伞就会不稳定甚至损坏。

除非是在演奏触感非常沉重的历史管风琴时，不要有“按”的感觉（需要特殊效果时除外），而应该是“弹”的感觉。“按”的动作会让手失去弹性，一般也得不到真正想要的音色。

原则 4：局域性原则

所有的运动都要尽量保证空间和时间上的局域性。

空间上的局域性：如果仅靠手指独立运动就能完美演奏，就不要让手掌和手掌以上的部分有任何运动；如果仅靠手指和手掌的运动就能完美演奏，就不要让小臂和小臂以上的部分有任何运动。如果有不同的解决方法，那么要根据其他原则来对这些方法评判。比如为达到相同效果，方法 A 需要复杂的手指运动辅以手腕的运动，而方法 B 只需要手腕的简单运动，那我们显然应该选择方法 B ：方法 A 正是很多人在演奏巴洛克音乐时常犯的错误。
时间上的局域性：所有的运动，特别是手上产生张力或收缩压力的运动，都要在舒服的原则下保证时间尽可能的短（张力或收缩压力瞬间全部释放掉），不管曲子本身的速度是快还是慢。

原则 5. 动作独立性原则

每个动作都要有明确的目的，而不要下意识地把动作进行随意组合（如果可以有效组合，那就把它定义为一个新动作，并让意识清楚它的所有细节）。下意识地随意组合动作会使得动作具有随机性，这就意味着演奏者自己并不完全清楚自己究竟做了什么样的动作，因此整体动作就会缺乏可重复性、丧失精确性。比如在不必要时，不要把键盘上的水平运动（手掌移动）和垂直运动（手指运动）结合起来：这是很多人的演奏之所以时灵时不灵的根本原因。

原则 6. 效果检验原则

以上原则并不是僵死的教条，我们时常要为了想要达到的艺术效果去调整和优化在一个具体情况下的演奏方法，最终我们需要以实际效果为标准对这个调整后的演奏方法进行评判（但当我们接纳一个新方法时，我们要非常清楚地知道其中的所有细节）。我们去优化演奏方法的方法有很多，比如我们可以在键盘上进行实验，比如我们可以对乐器进行了解进而去知道一个演奏方法体现在乐器的结构和发声原理上到底对应着什么。然而，原理只能做一个宏观指导，因为我们既不能说我们完全了解所有技术对应的物理学解释，也不能说物理量上的改变一定被忠实地被反应到我们的听觉感觉上，因为人对声音的感受并不完全是线性的。演奏效果永远是从外在的角度检验演奏技术的不二原则（前五个原则是从内在的角度检验演奏技术的原则）。