为了什么要坚持弹钢琴（演奏乐器）？弹钢琴的意义究竟是什么？

从小时候开始到现在弹了很多年钢琴。开始是被父母和老师逼着弹，坚持到了现在。但我现在想不明白，我弹钢琴究竟是为了什么？练钢琴并不给我带来快乐，我反而觉得练钢琴的过程挺痛苦的。练好一首曲子之后倒是会有一周时间会沾沾自喜，在别人面前表演时也会感到很愉悦。但为了这样浮浅的快感而付出这么多的时间和精力值得吗？所以我这种状态继续练下去还有什么意义呢？或者说我怎样才能享受练琴本身，摆脱这样病态的练习模式？

比起标题“为了什么要坚持弹钢琴？”这种直击灵魂的拷问，题主在问题描述里最后说的“我怎样才能享受练琴本身，摆脱这样病态的练习模式？”更有意义。

你去问一个游戏迷：“为什么要打电子游戏？”；或者去问一个小说迷：“为什么要看小说？”，他们估计只能回答你：“因为有意思啊”。要是他们给出了理性分析的结果，则往往不那么可靠了。比如“打电子游戏可以锻炼智力”：那学习数学也可以锻炼智力，你就一定喜欢学习数学吗？所以对于弹钢琴也是一样，比如可以锻炼智力，可以赚钱，比如参加比赛获奖，可以受到青睐，根本就不是什么本质原因。难道所有满足这些条件的事情，你都会去做吗？

所以我们要去找弹钢琴本身的意义，其他事情替代不了的意义。题主描述了他弹钢琴的过程，费很大力气弹好一个曲子，会有一点小的成就感，但觉得和付出的巨大努力不匹配。在这样的情况下，题主提出这个问题是非常自然的，如果不想这些只管一味地弹，那反倒是有问题了。

说起来，这个问题确实表现出了音乐教育目前面临的困境。在很多模式化的教育中，教授弹钢琴变成了传授一种技艺，然而学会了这种技艺却并像学习传统技艺那样能得到相应的成果。我们学习烘焙，就可以烤面包，而面包是至少一部分人的必需品。面包店烤出来的面包一般也会比超市里卖的面包好吃一些。“学习烤面包——开面包店赚钱”是符合市场规律的。退一步来说，我们的制作的面包，即使不能拿去出售，也可以自己吃。但学习钢琴呢？在这个连CD都快被淘汰了的时代里，大部分人学了很久的钢琴，完成的演奏离网上很容易就听到的专业录音还差得很远。就算能和录音里弹得一模一样，那又有什么意义呢？我们究竟为什么要学习钢琴呢？难道就为了自己再教学生赚钱，然后这样一代一代继续下去？这听起来实在是一个很无聊的行业。

所以这种教育，在起点上就错了，因为弹钢琴不应该是一种纯粹的技艺。艺术必然要以技术为基础，但艺术决不仅仅是技术。如果一种艺术教育，不能让你感觉到你在学艺术，而只能让你感觉到你在学技术，那这种艺术教育就是失败的。那在艺术中，除了技术还有什么呢？审美。没有审美的音乐表达，即使有再高超的技术，也是没有艺术价值的。有人可能说，我现在连技术都没学好，怎么能谈审美呢？这种论调真是受了庸俗教育的毒害：难道人的审美不是与生俱来的能力吗？它一开始就像一颗种子，虽然还很小，但有长成参天大树的潜力。好的音乐教育应该帮助这颗种子生根发芽，而不应该去阻碍它的自我表达。但我们也不能任由它随意生长，让它在无知的情况下自大而张狂。我们应该以它目前的情况来契机，让它在它所在的这一点上往纵深发展，同时我们应该为它打开很多扇窗户，让它看看外面的风景：巴洛克时代什么样，古典主义时期什么样，浪漫派什么样，现代派什么样，德国音乐什么样，法国音乐什么样，等等。如果一棵树被局限在一个深井里生长，那这种条件一般来说这对它的成长是不利的，但也不排除能产生某些怪材的可能性。但着力培养怪才，不应该是一般教育的目标。

具体到个体上的音乐教育来说，我们最好的方法是审美和技术同时培养，但要让审美比技术提前一些。这样，因为审美比技术高，审美就可以激发学习者去完善技术：这和单纯地去练习一些不知道以后会用在哪里的技术是非常不同的。如果学生有很强的完善技术的期望，老师又能适时地帮他攻克难关，那他的进步会非常快。换句话说，我们要让脑走在手的前面，而不是相反。单纯的教授技术，让学生自己去瞎悟审美，甚至禁止学生加入个性化的审美（但个性化的审美应该在什么范围内却是一个很重要的问题），是非常失败的艺术教育。

如果你可以把审美发展得很好，那你问的这个问题自然就消失了。我为什么要坚持弹钢琴？因为我要创造我自己的艺术（二次创作），表达我自己的审美。大师虽然弹的比我好，但那不是我。我脑里有一个音乐形象，我要试图把它表达出来，为此我要克服技术上的障碍，表达出来了以后，我再评判一下这个表达出来的东西是否和我设想的一样，如果一样的话是否效果真的好，如果没有达到预期的话，应该如何调整或改变。一首曲子，我在细节上应该怎么设计，在整体上应该怎么设计：这些东西随着你站得越来越高，会不断地改变和发展。

现在，我们来讨论“练琴时痛苦”这个问题。首先就不应该有“练琴”这种概念，我们在弹钢琴时，都应该有演奏的心态：这并不是说要从头到尾一遍一遍地弹，而是说千万不能只是手指在弹，而脑子里想的事儿早就不知道云游到哪里去了。我们在解决技术难题时，应该是抱一种“分析问题——解决问题”的心态，精准地找出问题并把它克服，同时这一切都应该是在审美的指导下的。我们要避免以下这种“练琴”的心态：我只要在练，练的时间足够长，总会有进步的。事实上，不动脑的机械练习，不仅不一定真的会解决问题，还经常起到反作用，就像你描述的那样。即使它是有效的，它也是效率低下的：这当然会让人感到厌烦。比如弹几遍慢的才敢弹一遍快的以避免把曲子弹坏：你经常把大量的时间花费在练习你已经能弹奏得很好的地方，但真正需要练习的地方却没得到充分的练习。

然后，练一首曲子很久才会练出成品，不是会让人感到很枯燥吗？这个因人而异。但是，决不能仅练一首曲子，决不能只练难的曲子，也决不能只练简单的曲子。这就像我们学英语一样，既要有精读，又要有泛读。我们可以去挑战读一下很难懂的文学作品：这对我们是非常有好处的；但同时我们也要读一些在我们能力之内，不用费太多力气就能读懂的东西，特别是阅读一些真正对我们有用的东西，比如专业知识，新闻，等等。在弹琴上也是一样的，有的曲子并不很难，但是在创作上很精巧，你可能很容易就可以把它练好。所以分一些时间来泛弹一些技巧上相对简单的艺术精品，既可以给自己成就感，又可以培养音乐品味，还可以训练自己的视奏技术，如果选取适当的话，甚至可以替代手指练习和练习曲，何乐而不为呢？

再进一步的话：不要把一个曲子当成一个僵死的东西。比如你可以在还没有背下来这首曲子时，合上谱子按印象弹，记忆不清的地方就用自己想办法去填充，看看能弹出什么。然后你再去看谱子，可能就会觉得，这个地方作曲家写得真高妙，那个地方可以那样处理我怎么就没想到呢？当然，这只是很多方法里的一种。你可以多问问自己，这里作曲家为什么这么写？要让我写我会怎么写？我写的是有和声问题，是不符合作品风格，还是比作曲家还好？这样，你就开始和作曲家进行对话了。当然，到了这个层次，就触动了现行音乐教育的根本问题——把音乐从创作、分析到演奏这一个整体分成太多的分支，并且相互之间很少对话（特别是业余学习中），更别提深入交流了。虽然学科分工太细是现代教育中的普遍问题，但这个问题在音乐教育中尤其严重。在巴洛克时代，演奏家就是作曲家，从贝多芬那个年代开始，演奏家开始慢慢地独立出来，但你看肖邦李斯特，哪个不是演奏自己的作品？到了20世纪，现代古典音乐的时代到来，很多不接受这种审美的音乐家选择去演奏以前的杰作。但几代传下来之后，钢琴演奏已经变得太独立于音乐的创作和分析，加上一些低端的老师更是根本不懂这些东西，所以才会产生了题主问的这种问题。